Свет и тень как язык Барокко
Рубрикатор
Введение Концепция
1. Истоки и теория кьяроскуро 2. Революция тьмы: Караваджо и драматургия высвеченного цвета 3. Одухотворенный свет: Рембрандт и психология теплого колорита
Заключение Библиография
Введение
Эпоха барокко в живописи выделяется интересом к эмоциональной выразительности, где кьяроскуро играет ключевую роль. Контраст света и тени стал мощным средством психологического воздействия, усиливающим драматизм сцен и управляя восприятием зрителя. Художники использовали резкие светотеневые переходы для создания напряжённой атмосферы и вызова конкретных эмоций — от благоговения до тревоги.
Концепция
Стиль Барокко возник как реакция на рациональность Ренессанса, стремясь к максимальному эмоциональному воздействию на зрителя. Основной задачей искусства этого периода стало создание драматических и эффектных визуальных образов, способных вызывать сильные переживания. Эстетика Барокко ориентировалась на чувственную убедительность и вовлечение в переживание изображаемых событий. Таким образом, данный стиль можно рассматривать как целенаправленный инструмент эмоционального вовлечения через визуальное представление.
Принципы зрелищности в барочном искусстве включали использование динамичных композиций и театральных световых эффектов для усиления эмоционального напряжения. Художники сознательно применяли приемы, способные вызвать у зрителя ощущение движения и интенсивности переживаний. Особое значение придавалось контрасту света и тени, который создавал драматические акценты и направлял восприятие. Эти средства обеспечивали создание мощного визуального спектакля, погружающего зрителя в эмоциональное пространство произведения.
Цель работы — разобраться, как художники используют свет и тень в своих картинах, чтобы вызывать у зрителей разные эмоции. Для этого я рассмотрю работы таких мастеров барокко, как Караваджо, Рембрандт. Я хочу понять, как эти художники создают напряжение и помогают нам задуматься.
1. Истоки и теория кьяроскуро
1.1 От Ренессанса к Барокко: От гармонии к контрасту
Истоки светотени восходят к античному искусству, где древнегреческая вазопись использовала тень для передачи объема. В средневековье византийские мозаики символически разделяли свет и тьму, а в иконописи свет служил символом божественного сияния без реального источника. Золотые фоны символизировали духовный свет, а тени почти не использовались, что контрастировало с натуралистическими тенденциями последующих эпох.
В период Ренессанса свет и тень использовались для создания гармонии и баланса в композиции. Художники этого времени применяли светотень как средство для моделирования идеальных пропорций фигур и объектов. Главной задачей было достижение пространственной ясности и визуальной упорядоченности.
Эпоха Ренессанса ознаменовала переход от условного освещения к научному изучению оптических закономерностей. Леонардо да Винчи разрабатывал теорию сфумато, создавая плавные переходы между светом и тенью для достижения объемности. Микеланджело использовал светотень для подчеркивания анатомической точности в изображении человеческого тела. Эти новации заложили основу для дальнейшего развития техники светотеневой моделировки в европейской живописи.
Винсент Делевен, Леонардо да Винчи (каталог выставки в Лувре, 24 октября 2019 г. — 24 февраля 2020 г.), Париж-Ванв, Louvre éditions — Hazan, 2019 г., 455 стр., 30 см
Барокко изменило использование света и тени, превратив их в способ передачи эмоций. Художники этого времени специально делали свет и тень очень контрастными, чтобы создать ощущение нестабильности и напряжения. Это как бросить камень в спокойную воду — появляется рябь, похожая на «змеиную линию» маньеризма, а позже — на римское барокко. Первым художником, который начал использовать этот стиль, был Микеланджело Меризи да Караваджо. Этот подход добавлял динамичность и выразительность, характерные для барокко.
1.2 Определение и функции кьяроскуро: моделирование формы, создание глубины, драматизация сцены.
Кьяроску́ро (итал. chiaro е scuro — свет и тень) — техника создания объемных изображений путем плавных переходов от светлого к темному. Она имитирует падение света и тени, придавая предметам объем и реалистичность. Это делает картины живыми и настоящими.
Уго да Карпи. Диоген. 1527
Уго да Карпи. Герон и сивилла. После 1518
Важной функцией кьяроскуро выступает создание иллюзии глубины пространства в композиции. Она работает за счет контраста между светлыми и темными частями изображения. Светлые части обычно находятся на переднем плане, а темные — на заднем. Это создает ощущение перспективы и движения. Например, в картинах Вермеера часто можно увидеть, как пустые места направляют взгляд зрителя на важные части сцены. Это делает картину более легкой и гармоничной. Такой прием помогает лучше разделить разные части картины и усилить ощущение пространства.
Ян Вермеер Девушка с жемчужной серёжкой. ок. 1665
Ян Вермеер Хозяйка и служанка. 1666—1667
Техника кьяроскуро — это способ рисовать, при котором используются яркие световые и темные пятна, чтобы подчеркнуть важные моменты на картине. Свет и тень делают картинку более выразительной и захватывающей. Эта техника особенно популярна в стиле барокко, где художники старались сделать свои работы драматичными и эмоциональными.
Таким образом, функция освещения в кьяроскуро — это не просто техническое средство, а ключевой элемент эмоционального управления в искусстве Барокко. Свет и тень выступают как драматические контрасты, формирующие пространство чувств, где зритель становится активным участником переживания, вовлечённым в то, что изображено на холсте.
Рембрандт Философ в раздумье. 1632
1.3 Философские и эстетические предпосылки использования контраста света и тени в барочной культуре
В эпоху Барокко искусство стало очень важным для католической церкви. В это время художники использовали свет и тень, чтобы сделать свои картины более выразительными. Свет символизировал добро и божественное, а тень — зло и греховность.
Церковь использовала искусство как способ донести свои идеи до людей. Картины с резкими переходами между светом и тенью помогали показать, что вера побеждает неверие. Это было важно в то время, когда церковь боролась за влияние и хотела укрепить свою позицию среди людей.
Рембрандт Положение во гроб. ок. 1633–1635
Эстетика Барокко была тесно связана с театрализацией действительности, выражая концепцию «theatrum mundi» — мира как сцены. Контраст света и тени стал инструментом визуальной режиссуры, подчеркивая драматическую напряженность и эмоциональную выразительность сцены.
Резкие светотеневые переходы в живописи Барокко выступают мощным инструментом вовлечения зрителя в нарратив произведения. Контрастное освещение создает немедленный эмоциональный отклик, активизируя чувства и внимание наблюдателя. Техника кьяроскуро направляет взгляд и подчеркивает ключевые элементы композиции, усиливая драматический эффект сцены. Таким образом, художники эпохи Барокко сознательно использовали светотеневые контрасты для управления эмоциональным состоянием зрителя.
Жорж Де Латур Сон святого Иосифа. ок. 1628–1645 гг.
1.4 Цвет в системе «свет-тень»: как освещенность меняет восприятие насыщенности, тона и температуры цвета.
Взаимодействие света с пигментом подчиняется оптическим законам, определяющим восприятие цвета в разных условиях освещенности. В зонах полутени и рефлексов насыщенность и тон цвета изменяются в зависимости от интенсивности и угла падения света. Эти изменения влияют на визуальное восприятие формы и пространства в произведении искусства.
(Трофим Биго «Девушка, заправляющая маслом лампу». Первая половина XVII века.)
Имитация естественного освещения в технике кьяроскуро способствует созданию эффекта присутствия и сопричастности. Реалистичное распределение света и тени вызывает у зрителя ощущение достоверности изображаемого пространства. Этот прием усиливает эмоциональную вовлеченность, позволяя наблюдателю почувствовать себя участником события. Таким образом, контрастное освещение становится ключевым элементом в формировании психологического контакта между произведением и зрителем.
Караваджо Обезглавливание Иоанна Крестителя. 1608
2. Революция тьмы: Караваджо и драматургия высвеченного цвета
Световое моделирование Караваджо существенно отличалось от ренессансных традиций. Если мастера Возрождения использовали мягкое рассеянное освещение для плавной передачи объемов, то Караваджо предпочитал направленный луч, создающий резкие границы света и тени. Такой подход позволял ему акцентировать эмоциональные пики сюжета и усиливать психологическое воздействие на зрителя. Отказ от постепенных переходов стал революционным шагом в истории живописи.
Резкие световые контрасты в произведениях Караваджо оказывают непосредственное психологическое воздействие на зрителя. Кьяроскуро создаёт эффект внезапности и усиливает эмоциональную реакцию. Световые акценты вызывают тревогу или откровение, связывая освещённые участки с важностью изображаемого. Теневые зоны создают напряжение и неизвестность. Резкий контраст света и тени активизирует внимание, создавая эффект присутствия и вовлечённости. Таким образом, кьяроскуро Караваджо становится инструментом психологического воздействия.
(Караваджо, Мученичество святого Матфея. 1599—1600)
Караваджо Пишущий Святой Иероним. ок. 1607—1608
Караваджо Нарцисс. 1597
Анализ работы: «Призвание апостола Матфея» (1599-1600).
Караваджо, «Призвание апостола Матфея» (итал. La Vocazione di san Matteo) 1599–1600 гг.
Композиция картины «Призвание апостола Матфея» строится на резком контрасте между темным интерьером таверны и направленным лучом божественного света. Этот свет проникает из невидимого источника справа, освещая группу людей за столом. Фигуры персонажей частично погружены в тень, что создает драматический эффект. Контраст подчеркивает разделение пространства на световую и теневую зоны. Художник использует кьяроскуро для выделения ключевых элементов сцены. Свет в картинах помогает показать важные движения героев. Свет ярко освещает некоторые части картины, чтобы привлечь внимание к важным жестам персонажей. Это помогает зрителю сосредоточиться на том, как Матфей реагирует на происходящее и на фигуре Христа.
Свет в картине обладает символическим значением божественного вмешательства в мирскую реальность. Он противопоставляется бытовой обстановке таверны, где персонажи заняты подсчетом денег. Это противопоставление подчеркивает внезапность и трансцендентность момента призвания. Источник света не виден, что усиливает ощущение чуда. Символика света как божественного сияния имеет глубокие исторические корни.
2. 2 Как луч света «вырезает» цвет из темноты: кинематографический подход.
Техника направленного освещения у Караваджо позволяет создавать эффект визуального вычленения цветовых элементов из окружающей темноты. В работе «Призвание апостола Матфея» художник использует резкий боковой луч света, который выхватывает из мрака ключевые фигуры и их одеяния. Этот прием не только моделирует объем, но и акцентирует насыщенные цвета — красный плащ, белые рубашки, золотые детали — на фоне глубоких теней. Таким образом, цвет существует не самостоятельно, а проявляется исключительно там, где его высвечивает направленный поток света.
Караваджо создает живые картины с контрастом света и тени, что формирует динамичное восприятие, сходное с современными кинематографическими приемами. Он делает одни части светлыми, другие — темными, привлекая внимание к важным деталям. Картина разделена на «сцены», показывающие эмоции героев, как в театре. Резкие переходы от света к тени придают сцене визуальную ритмичность и драматическую интенсивность.
Эмоциональный эффект
В произведении «Призвание апостола Матфея» Караваджо использует алый плащ как ключевой цветовой акцент. Этот элемент символизирует божественную благодать, нисходящую на персонажей. Интенсивность красного создает визуальный шок, приковывая внимание зрителя. Контраст с темным фоном усиливает эмоциональное воздействие сцены.
Белоснежные рубашки персонажей выделяются на фоне глубоких теней. Их яркость визуализирует идею духовного очищения, достигаемого через свет. Данный прием подчеркивает трансформацию персонажей под воздействием божественного света.
Золотые отсветы на одежде и поверхностях создают эффект сакрального сияния. Это свечение усиливает ощущение чудесного вмешательства в земной мир. Сочетание золота с почти черным фоном производит впечатление божественного присутствия. Контрастная светотеневая моделировка способствует восприятию сцены как откровения.
Цвет существует только там, где этого требует смысл.
3. Одухотворенный свет: Рембрандт и психология теплого колорита
Рембрандт, в отличие от Караваджо, использовал свет и тень по-другому. Он не просто создавал яркие эффекты, как это делал Караваджо, а показывал внутренние чувства и мысли своих героев. Рембрандт использовал свет, чтобы раскрыть, что происходит внутри человека, его эмоции и переживания. Его картины стали живыми и глубокими благодаря тому, что он так мастерски играл со светом и тенью. Он создал новый способ рисовать, который помогал передать все нюансы человеческой души.
Рембрандт Данаи. Между 1636 и 1643 годами.
Рембрандт Пир Валтасара. 1635
В картинах Рембрандта свет играет важную роль. Он не просто освещает объекты, но и передает глубокие чувства и мысли персонажей. Художник использовал свет, чтобы показать, как герои картины понимают себя и делают выбор. Это делает его работы не только красивыми, но и глубокими.
Свет в картинах Рембрандта символизирует важные вещи, такие как правда, добро и хорошее. Например, мы часто говорим: «Ученье — свет, а неученье — тьма». Или «Светлая голова» — так мы говорим о умном человеке. Художник использовал эти простые идеи, чтобы показать сложные чувства и переживания своих героев.
Анализ работы: «Ночной дозор» (1642) и «Возвращение блудного сына» (ок. 1666-1669).
В «Ночном дозоре» (1642) Рембрандт применяет кьяроскуро для передачи динамики и движения. Резкие светотеневые контрасты акцентируют фигуры капитана Кока и лейтенанта ван Рёйтенбюрга, создавая ощущение немедленного действия.
Рембрандт Ночной дозор. 1642
Напротив, «Возвращение блудного сына» (ок. 1666-1669) использует мягкую светотень для концентрации эмоций в статичной сцене. Свет здесь фокусируется на главных персонажах, подчеркивая их внутренние переживания.
Рембрандт Возвращение блудного сына. ок. 1666—1669
Разница между двумя картинами показывает, как можно использовать свет и тень, чтобы передать разные чувства. В «Ночном дозоре» свет и тень делают картину драматичной и напряженной. В «Возвращении блудного сына» те же приемы делают сцену более личной и глубокой.
Степень насыщенности и температурные особенности цвета в теневых областях коррелируют с эмоциональной сложностью изображаемых фигур. В «Ночном дозоре» более насыщенные красные тона на свету контрастируют с приглушенными оттенками в тенях, отражая внутреннюю мотивацию персонажей. Такая нюансировка создает многомерность образов, подчеркивая их психологическую глубину.
Золотистое свечение вместо резкого луча: свет как среда, объединяющая цвет.
Рембрандт Артаксеркс, Аман и Эсфирь. 1660
Рембрандт, создавая свои произведения, мастерски использовал диффузное золотистое свечение, которое формировало уникальную оптическую среду. Это свечение сглаживало цветовые контрасты и объединяло их в единое живописное пространство, что отличало его работы от резких световых эффектов, характерных для других мастеров барокко. Благодаря такой технике создавалась целостная и гармоничная композиция, которая воспринималась как единое целое. Рембрандт применял мягкий свет, чтобы выделить ключевые элементы своей картины, придавая ей глубину и эмоциональную насыщенность.
Отказ художника от точечных источников света в пользу объемного сияния усиливал эмоциональную целостность произведения. Трансформируя свет в эмоциональный катализатор, Рембрандт добивался глубокого психологического воздействия. Золотистое сияние объединяло цветовые пятна, создавая атмосферу внутренней драмы. Этот прием позволял передавать сложные человеческие переживания через визуальные средства.
Рембрандт Блудный сын в таверне. 1635
Рембрандт Святое семейство. 1645
В своих автопортретах Рембрандт использовал свет и тень, чтобы показать сложные чувства и эмоции. Это позволяло ему не только точно изображать внешность, но и передавать настроение и переживания людей. Например, в его работах можно увидеть, как свет подчеркивает морщины, усталость и мудрость на лице, что делает портреты очень реалистичными и живыми. Рембрандт также использовал тени, чтобы скрыть некоторые детали, заставляя зрителя задуматься о том, что может скрываться за ними. Таким образом, он показывал глубину человеческой природы через свои картины.
Автопортреты Рембранта 1652 г., 1660 г., 1660 г., 1661 г.
Эмоциональный эффект: Как теплая, насыщенная охра, глубокие красные и золотые тона, смягченные тенями, создают чувства человечности, сострадания, внутренней драмы и торжественности.
Доминирование охристых оттенков в палитре Рембрандта выступает как визуальная метафора человеческой теплоты и сопричастности. Эти теплые землистые тона, характерные для таких работ, как «Возвращение блудного сына», создают ощущение органичности и естественности человеческого бытия. Смягченные глубокими тенями, они формируют атмосферу интимности и эмоциональной близости. Преобладание охры способствует выражению важных человеческих качеств, таких как сострадание и взаимопонимание.
Теплая цветовая температура света у Рембрандта усиливает психологическую достоверность образов. Этот прием создает ощущение внутреннего свечения персонажей, ассоциирующегося с духовностью. Теплые тона в сочетании с мягкими светотеневыми переходами формируют эффект естественности и эмоциональной глубины.
(Рембрандт, Минерва 1635 год.)
Золотые блики, гармонично вплетённые в тёмные области полотен Рембрандта, придают им мистическое свечение. В романтизме свет приобрёл символическое значение. Рембрандт мастерски использует золотые отблески, которые, проникая в тени, возносят обыденные или библейские сцены до уровня вневременной трагедии. Этот художественный приём добавляет сценам торжественность и метафизическую глубину.
Рембрандт Отречение Петра. 1660
Рембрандт синтезирует техническое мастерство владения кьяроскуро с философским осмыслением человеческого бытия. Его светотеневая моделировка служит не только формальным целям, но и выражает экзистенциальные темы. Эмоционально насыщенные образы возникают благодаря точному расчету световых акцентов и теневых пауз. Этот синтез превращает живописные произведения в медитативные пространства для рефлексии.
4. Тихий диалог света и цвета: Жорж де Латур и метафизика простоты
Анализ работы: «Магдалина с двумя языками пламени» или «Кающаяся Магдалина», 1640 г.
Композиция картины Жоржа де Латура «Кающаяся Магдалина с дымящимся пламенем» сосредоточена на свечи, освещающей фигуру Магдалины и натюрморт. Центральная свеча создает радиальную структуру света, привлекая внимание зрителя. Магдалина погружена в полумрак, ее лицо и руки мягко освещены, подчеркивая ее созерцательное состояние. Череп, книга и крест на столе частично освещены, связывая их с темой покаяния. Игра света и теней создает интимную атмосферу, выделяя детали, такие как складки платья. Расположение предметов формирует замкнутое пространство, фокусируя восприятие на главной героине и символических объектах. Темный фон поглощает второстепенные элементы, усиливая внимание на главном.
Жоржа де Латур, «Магдалина с двумя языками пламени» или «Кающаяся Магдалина», 1640 г.
В работе Латура свеча с дымящимся пламенем играет важную роль. Она символизирует быстротечность жизни и духовное преображение. Дым от свечи, который быстро исчезает, напоминает нам о том, что жизнь коротка. Рядом с свечой часто изображают череп — символ неизбежности смерти.
Тлеющий фитиль свечи может означать угасание страстей и стремление к спокойному размышлению. Пламя свечи также можно представить как свет, который помогает человеку стать лучше, покаяться в своих ошибках и очистить душу. Его неровное движение напоминает о том, что в жизни всегда есть место для изменений и новых мыслей.
Дым, растворяющийся в темноте, показывает, что мирские желания и радости быстро проходят, а вечные истины остаются. Таким образом, свеча в этой работе становится символом не только света, но и глубоких мыслей о жизни и смерти.
У Жоржа де Латура единственный источник света в виде свечи создает четкую градацию освещенности. Это позволяет организовать пространство картины вокруг центрального объекта. Освещенные участки формируют композиционный фокус, а глубокие тени скрывают второстепенные детали. Такое распределение света направляет внимание зрителя на ключевые элементы сцены.
Жорж де Латур в своих работах сознательно отходит от принципов итальянского барокко, представленного Караваджо. Если у Караваджо свет создает резкие контрасты и подчеркивает физическое действие, то Латур использует мягкое свечение для передачи внутреннего состояния. Его композиция лишена бурной динамики, характерной для итальянских мастеров. Цвета проявляются постепенно, что способствует созерцательному настроению.
Караваджо Ужин в Эммаусе. 1601—1602
Жорж Де Латур Поклонение пастухов. 1644
Заключение
В барочной живописи техника кьяроскуро использовалась не только для создания теней и света, но и для управления эмоциями зрителей. Контраст между светом и тенью помогал сделать картины более яркими и вызывал сильные чувства у тех, кто на них смотрел. Художники барокко использовали эту технику, чтобы их работы производили глубокое впечатление. Анализ показал, что контраст света и тени помогал зрителям не только наслаждаться красотой, но и испытывать духовные переживания. Яркие пятна света на темном фоне заставляли людей чувствовать что-то особенное, словно они переживали что-то священное. Таким образом, свет и тень стали важными способами передать сложные и глубокие идеи и чувства в искусстве барокко.
Изучение работ известных мастеров барокко показало, как по-разному они использовали свет и тень в своих картинах. Караваджо делал яркие и контрастные картины, чтобы подчеркнуть эмоции и создать драматический эффект. Рембрандт, напротив, использовал теплые и мягкие цвета, чтобы показать внутренний мир людей. Жорж де Латур делал картины, где свет исходит из одного источника и создает атмосферу спокойствия и размышления. Сравнение этих методов показывает, как можно по-разному использовать свет и тень, чтобы передать эмоции и настроение зрителю.
Не забывайте, что кьяроскуро — не только технический приём, но и выразительный инструмент, способный создавать метафоры и символы через взаимодействие света и тени.
Источники
Андрейчук Е. В. Мой урок. Ренессанс. Барокко («Мировая художественная культура», 10-й класс) // Искусство. Всё для учителя!. — 2012. — № 1. — С. 11–15.
Белобров А. А. Мировоззренческие особенности барокко в культуре современной России // Культура и цивилизация. — 2017. — № 6. — С. 222–227.
Выготский Л. С. Психология искусства. — Ростов-на-Дону: Феникс, 1998.
Выготский Л. С. Психология искусства. — Москва: Издательство Юрайт, 2023. — 414 с.
Дегтярев В. Барокко как связь и разрыв. — М.: Новое литературное обозрение, 2024. — 240 с.
Заховаева А. Г. Психология личности и психология искусства // Международный журнал прикладных и фундаментальных исследований. — 2013. — № 10. — С. 437–439.
Карписонова Р. А. Стильный цветник. Популярная энциклопедия. — Москва: Издательство АСТ, 2018. — 192 с.
Кочелаева Л. Энциклопедия цветовода. — Москва: Издательство АСТ, 2022. — 608 с.
Макаров Д. Караваджо. — Москва: Издательство АСТ, 2022. — 160 с.
Пластова Т. Аркадий Пластов. Портрет художника, написанный им самим // Третьяковская галерея. — 2010. — № 4. — С. 75–83.
Позднев М. М. Психология искусства. Учение Аристотеля. — Москва — Санкт-Петербург: Русский фонд содействия науке и образованию, 2010.
Седова Т. А. Рембрандт: альбом. — Москва: Изобразительное искусство, 1978. — 62 с.
Сюэ Яхуэй Роль света и тени в западной живописи и восприятие пустого пространства // Знание. Понимание. Умение. — 2025. — № 2. — С. 210–214.
Трускова К.И., Евсеева Н.Г., Зубарева М.М. и др. Произведения искусства как средство формирования эмоциональной отзывчивости у обучающихся с ОВЗ и/или инвалидностью в условиях дистанционного образования. — Екатеринбург: ГБОУ СО ЦППМСП «Ресурс», 2023. — 32 с.
Чилверс Я., Велтон Д., Жачек Я. и др. Иллюстрированная история искусства. — Алматы: Алматыкітап баспасы, 2014. — 400 с.
https://ru.wikipedia.org/wiki (Дата обращения 17.11.2025)
