Концепция исследования
Джеймс Таррелл, Sustaining Light, 2007
В данном визуальном исследовании я обращаюсь к феномену света как одному из ключевых материалов и медиумов в современном искусстве. Выбор темы обусловлен несколькими факторами: во-первых, свет представляет собой уникальный художественный материал, обладающий одновременно физическими и метафизическими качествами; во-вторых, работа со светом открывает для художников возможности трансформации пространства и зрительского восприятия, что выводит искусство за пределы традиционных форм; в-третьих, свет как медиум позволяет исследовать широкий спектр вопросов — от феноменологии восприятия до социально-политических проблем.
Для исследования я отобрала работы художников, представляющие различные подходы к использованию света. От минималистских световых инсталляций Дэна Флавина до масштабных иммерсивных пространств Олафура Элиассона, от скульптурных объектов Энтони Маккола до социально-политических проектов Кшиштофа Водичко. Такой разнообразный материал позволяет рассмотреть свет как инструмент для создания новых форм взаимодействия со зрителем, переосмысления пространства, а даже как средство для социального высказывания.
Джеймс Таррелл, Unseen Blue, 2002
Исследование структурировано тематически, что позволяет проследить изменения в использовании света в искусстве. Я выделила пять ключевых направлений:
- свет как минималистский объект
- свет как средство трансформации пространства
- свет и время в аудиовизуальных произведениях
- свет как элемент иммерсивного опыта
- свет как инструмент социально-политического высказывания Такая рубрикация позволяет охватить различные художественные практики, связанных со светом, проследить их эволюцию и влияние друг на друга.
При подготовке исследования я опиралась на труды искусствоведов и теоретиков искусства, а также на каталоги выставок и монографии о художниках, работающих со светом. Важными источниками также стали высказывания самих художников о своих работах, позволяющие раскрыть их творческие намерения и концептуальные основы произведений. Так как свет — относительно новый медиум в истории искусств, многие художники, пользующиеся им, оставляют свои работы в архивах интернета, что значительно облегчает понимание авторского высказывания. На сайтах художников и музеев часто можно найти сохранившиеся цитаты.
Ключевой вопрос исследования можно сформулировать следующим образом: как художники используют свет для переосмысления границ художественного высказывания и взаимодействия со зрителем? Моя гипотеза состоит в том, что свет в современном искусстве становится не просто визуальным элементом, но и способом моделирования восприятия, эмоционального воздействия и социальной рефлексии. Анализируя отобранные произведения, я хочу показать, что работа со светом позволяет художникам выйти за рамки традиционного объектного искусства и создать новые формы художественного опыта, в которых зритель становится активным участником произведения.
Карлос Круз-Диес. «Chromosaturation», 1965
Свет как минималистский объект
Дэн Флавин. 1961 г.
fluorescent poles shimmer shiver flick out dim monuments of on and off art
Дэн Флавин. «Монумент для В. Татлина», 1966-1969//Дэн Флавин. «Монумент для В. Татлина», 1969-1970
В серии работ «Монумент для В. Татлина» Дэн Флавин обращается к наследию русского конструктивизма, переосмысляя знаменитый проект Владимира Татлина «Памятник III Интернационалу» (1919-1920). Флавин использует стандартные люминесцентные лампы белого цвета, расположенные в виде убывающей пирамидальной структуры, отсылающей к спиральной форме проекта Татлина. Эта работа является ярким примером минималистского подхода Флавина к использованию света как материала искусства.
В отличие от традиционных скульптур, «Монумент для В. Татлина» существует не только как физический объект, но и как источник света, трансформирующий окружающее пространство. Свет от люминесцентных ламп распространяется за пределы самого произведения, размывая его границы и вовлекая зрителя в сложную игру восприятия. Холодное свечение ламп создает особую атмосферу, которая контрастирует с утопическими идеалами конструктивизма, на которые ссылается автор. Таким образом, Флавин не просто отдает дань уважения авангардному наследию, но и критически переосмысляет его через призму современного искусства минимализма.
Дэн Флавин. «Untitled (to Donna) II», 1971
«One might not think of light as a matter of fact, but I do. And it is, as I said, as plain and open and direct an art as you will ever find.» — объяснял свои идеи художник.
В работе «Untitled (to Donna) II» Дэн Флавин использует несколько флуоресцентных ламп разных цветов, создавая диагональную композицию, которая активно взаимодействует с архитектурным пространством. Эта инсталляция демонстрирует характерный для Флавина минималистский подход к свету как к самодостаточному художественному материалу. Художник отказывается от создания сложных форм или нарративов, сосредотачиваясь на чистом визуальном восприятии света и цвета. Особенность этой работы заключается в способе, которым Флавин исследует взаимодействие различных цветов света. Когда разноцветные лампы расположены рядом, их свечение смешивается, создавая новые оттенки и градиенты в окружающем пространстве. Это демонстрирует, как минималистский объект может создавать сложные визуальные эффекты, трансформирующие восприятие зрителя.
Свет как средство трансформации пространства
Карлос Круз-Диес. «Chromosaturation», 1965
«Chromosaturation» Карлоса Круз-Диеса — это знаковая работа в истории светового и кинетического искусства, радикально переосмысляющая роль цвета в художественном восприятии. Инсталляция представляет собой серию взаимосвязанных помещений, залитых монохромным светом красного, зеленого и синего цветов — основных составляющих аддитивной цветовой модели. В каждом из этих пространств зритель оказывается полностью погружен в определенный цвет, лишенный других визуальных ориентиров. Это воздействует на зрение на физиологическом уровне: глаза адаптируются к конкретному цвету, и при переходе в следующее помещение зритель испытывает эффект цветового «шока» или переадаптации, что усиливает восприятие каждого нового цвета и порождает неожиданные зрительные ощущения, такие как ореолы, послесвечения и визуальные вибрации.
Круз-Диес с этой работой ставит цвет не как свойство объекта, а как самостоятельное, подвижное и изменчивое явление, существующее в пространстве и времени. Он подчеркивает, что цвет — это не статическая характеристика поверхности, а перманентный процесс, происходящий в восприятии человека. Таким образом, «Chromosaturation» не просто вовлекает зрителя, а делает его активным участником и соавтором художественного опыта, поскольку именно зрение человека завершает работу.
На искусство эта инсталляция оказала значительное влияние, особенно в контексте иммерсивных и сенсорных практик. Она стала образцом для последующих художников, стремящихся исследовать границы восприятия и размыть различие между объектом искусства и зрителем. Кроме того, «Chromosaturation» внесла важный вклад в развитие site-specific инсталляций, где свет и архитектура сливаются в единое целое, создавая искусственную, но глубоко ощутимую реальность. В эпоху, когда цифровые технологии и медиаискусство активно осваивают зрительное поле, подход Круз-Диеса остается актуальным как напоминание о том, что даже простые элементы — свет и цвет — при точном научно-художественном подходе могут порождать мощные эстетические и философские переживания.
Карлос Круз-Диес. «Chromosaturation», 1965
Яёи Кусама. «Infinity Mirror Room — The Souls of Millions of Light Years Away», 2013
Инсталляция «Infinity Mirror Room — The Souls of Millions of Light Years Away» японской художницы Яёи Кусамы представляет собой зеркальное пространство, наполненное множеством мерцающих светодиодных огней, создающих иллюзию бесконечной вселенной. С помощью зеркал и света Кусама формирует иммерсивную среду, где зритель теряет ощущение границ и как бы сливается с бесконечным космосом, переживая медитативный и трансцендентный опыт. Работа отражает ключевые темы ее творчества — бесконечность, самоуничтожение и космическое сознание — и основана на личных переживаниях художницы, включая психические расстройства и галлюцинации, которые она превращает в уникальный визуальный язык, делая свет не только эстетическим, но и глубоким метафорическим элементом.
Роберт Ирвин. «Scrim Veil—Black Rectangle—Natural Light», 1977
Инсталляция Роберта Ирвина «Scrim Veil—Black Rectangle—Natural Light», впервые представленная в музее Уитни в 1977 году и воссозданная там же в 2013 году, представляет собой минималистское вмешательство в архитектурное пространство. Художник разделил галерею полупрозрачной тканью (scrim), подвешенной горизонтально на уровне глаз посетителя, а также добавил черную линию вдоль периметра стен и черный прямоугольник на одной из стен. Главным элементом инсталляции становится естественный свет, проникающий через большое окно галереи, который взаимодействует с этими минимальными элементами, создавая сложный визуальный и пространственный опыт.
Особенность работы Ирвина заключается в том, как она меняется в течение дня в зависимости от интенсивности и угла падения естественного света. Полупрозрачная ткань улавливает и рассеивает свет, создавая эффект расслоения пространства. Зритель, перемещаясь по галерее, становится участником сложной игры света, тени и пространственных отношений. В этой работе Ирвин демонстрирует свой подход к «реагирующему на пространство» искусству (site-responsive art), в котором произведение неотделимо от контекста его презентации. «Scrim Veil» показывает, как минимальное вмешательство в сочетании с внимательным отношением к естественному освещению может радикально трансформировать восприятие пространства, создавая глубокий феноменологический опыт.
Свет и время в аудиовизуальных произведениях
Энтони Маккол. «Line Describing a Cone», 1973
«Line Describing a Cone» Энтони Маккола — это знаковая работа в истории экспериментального кино и световых инсталляций. Произведение представляет собой кинопроекцию, в которой простая белая линия на черном фоне постепенно преобразуется в полный круг. Проектор помещается в затемненное пространство, наполненное легким туманом или дымом, благодаря чему луч света становится видимым, формируя в пространстве трехмерный конус. Таким образом, двухмерное кинематографическое изображение трансформируется в объемную световую скульптуру. Уникальность этого произведения заключается в том, как оно переосмысляет отношения между зрителем и кинематографическим образом. В традиционном кино зритель пассивно наблюдает за изображением на экране, здесь же он может свободно перемещаться вокруг световой проекции, рассматривать ее с разных ракурсов и даже физически взаимодействовать с ней, проходя сквозь световой конус. «Line Describing a Cone» также исследует темпоральность — постепенное развитие формы от линии к кругу, от точки к конусу подчеркивает процессуальный характер произведения и вводит фактор времени как ключевой элемент восприятия.
Специальная программа созданная для инсталяции. Рефик Анадол. «Melting Memories», 2018
