Китч-эстетика Таданори Ёкоо: язык провокации в японском дизайне
Рубрикатор
- Концепция
- Экспериментальный дизайн Японии 1960-х: смешение традиции и поп-культуры
- «Китчевая» эстетика Таданори Ёкоо: особенности приемов, цвета и композиции
- След Ёкоо в истории дизайна
- Заключение
Концепция
«Здорово быть в тренде, но остаётся ли в таком дизайне хоть что-то от автора?»
Таданори Ёкоо
Китч по данным энциклопедического словаря означает что-то пошлое, дешевое и халтурное — понятие, очень далекое от «высокого» искусства и представляющее собой довольно спорное явление в культуре. [1]
Может ли нечто с такими характеристиками быть эстетичным и называться искусным творчеством?
В своем визуальном исследовании я постараюсь дать ответ на этот вопрос, сосредоточившись на творчестве одного из самых ярких и неоднозначных японских дизайнеров второй половины XX века — Таданори Ёкоо. Он намеренно использует приемы, которые обычно называют «китчевыми» и превращает их в осознанный личный художественный стиль.
Его работы позволяют увидеть, как китч из явления массовой культуры становится инструментом рефлексии и провокационного высказывания.
B: 1/B: 2. Таданори Ёкоо. 1964 г.
Чтобы понять специфику подхода Ёкоо, необходимо обратиться к понятию самого китча. Хотя этот термин появился и закрепился только в XIX веке, сам феномен существовал задолго до этого — в народных промыслах, массовой религиозной иконографии, сувенирной продукции. Расцвел китч благодаря промышленной революции и массовому производству: стандартизация и тиражирование породили стереотипные, шаблонные образы, рассчитанные на вызов мгновенной реакции у потребителя. Подобная свобода творчества в сфере искусства и дизайна связана с низкими культурными запросами потребителей. [2,3]
Сегодня китч окружает нас повсюду — от магнитов на холодильнике и футболок с кричащими надписями до перегруженных афиш и пиксельных растянутых мемов. Его ключевыми признаками стали избыточность, имитация «высокого», «дорогого» стиля, отсутствие глубины и ориентированность на экстравагантность.
Однако именно эти черты Ёкоо берет за основу своего художественного языка, переосмысляя их в контексте своей страны, ее культуры и глобальных изменений 1960-1970х годов. Таким образом, в его творчестве китч перестает быть «безвкусицей» и превращается в инструмент критики, самоиронии и провокации.
Как клишированные символы и смыслы, которые вкладывает Таданори Ёкоо в свои работы, разрушают привычное понятие китча и создают из него новый мощный инструмент дизайна и искусства?
В центре визуального исследования — эстетика китча в творчестве Таданори Ёкоо как способ провокации и переосмысления устоявшихся норм. Для лучшего понимания его подходов анализ строится на трех основных главах: сначала кратко рассматривается общий дизайн Японии 1960-х годов, где традиция пересекается с поп-культурой; далее детально разбираются приемы, цветовая палитра и композиционные решения в работах Таданори Ёкоо; в завершение оценивается его вклад в развитие современного дизайна и результат его экспериментов с китчем.
Экспериментальный дизайн Японии 1960-х: смешение традиции и поп-культуры
Если начать сравнивать японские плакаты, например, с американскими то можно будет сразу увидеть четкую разницу в другом способе подачи информации для зрителя. Дизайн страны восходящего солнца будет доступен не в полной мере для человека, который неглубоко погружен в культуру этой страны. [4]
В качестве примера сравним обложку для пьесы Пола Рэнда и плакат Таданори Ёкоо.
(1) Обложка книги. The Condemned of Altona. Пол Рэнд. 1963 г. (2) «Летучая рыба и иловое море». 16-я выставка японского клуба художников-рекламистов. Таданори Ёкоо. 1968 г.
Пол Рэнд находит универсальный образ для своей работы, который отлично будет показывать суть иллюстрируемой им темы. Лаконичность, баланс формы и содержания становятся ключевыми принципами в его работе.
Изучение пьесы «Осужденные из Альтоны» позволяет понять отсылки иллюстратора к силуэту краба, изображенного на обложке: (1) Среда обитания краба — узкая зона прибоя между морем и сушей — перекликается с темой пьесы: герои заперты в особняке и изолированы от внешнего мира. (2) Панцирь — метафора психологических защитных механизмов персонажей, скрывающих свои травмы. (3) Красный символизирует вину, тревогу и насилие. Он заранее предупреждает читателя о морально тяжелом характере пьесы.
Таданори Ёкоо в плакате в отличие от лаконичности Пола Рэнда демонстрирует свой фирменный метод коллажа: соединяет разные образы в единый сюжет, наслаивает культурные символы и смыслы друг на друга через призму поп-культуры, что делает их доступными для международной аудитории.
(1) Летучая рыба — символ пограничного состояния между водой и небом. Метафора двойственности японской культуры 1960х годов: поиск баланса между традицией и модерном, Востоком и Западом.
(2) Солнце — один из самых узнаваемых символов Японии, который отсылает к флагу и мифам.
(3) Цветы сакуры — символ времени, хрупкости, памяти. В японской культуре сакура часто становится метафорой ушедших времен.
(4) Яркие цвета, характерные для поп-арта — вызов эстетическим нормам: Таданори игнорирует гармоничные палитры и сочетает яркие теплые оттенки с холодными практически в одинаковых пропорциях и сильным контрастом, что создает эффект хаоса.
«Создание образов, способных поразить воображение» [4] — главная цель дизайнеров-экспериментаторов Японии 1960-х годов.
Сопоставление работ Пола Рэнда и Таданори Ёкоо выявляет два противоположных подхода к дизайну:
Функциональность, ясность, минимализм и универсальность против культуры, множественности смыслов, перегруженности и провокации.
«Китчевая» эстетика Таданори Ёкоо: особенности приемов, цвета и композиции
Проанализируем подробнее особенности дизайна плакатов Таданори Ёкоо. Его визуальный язык, как мы выяснили в ходе сравнения с американским дизайном, строится на намеренном нарушении канонов. Художник сознательно обращается к китчевой эстетике как к особой художественной стратегии.
Какие именно приемы использует Ёкоо в своих работах:
1. Радикальный коллаж, состоящий из разнородных элементов: гравюры укиё-э, поп-иконы, газетных вырезок и фотографий.
В подобном коллаже японского дизайнера, как правило, отсутствует иерархическая структура: все образы и символы равноправны, без выделения главного или второстепенного элемента. Каждый зритель, смотря на плакат, может выстроить собственную систему связей.
В многослойной структуре у Ёкоо также отсутствует глубина.
(1) Плакат. Koshimake Osen 2, Fire in a Long-sleeved Kimono. Таданори Ёкоо. 1969 г. (2) Плакат для Noh Play. Таданори Ёкоо. 1969 г.
Наглядный пример — плакат «Koshimake Osen 2» (1969 года). В этой коллажной композиции довольно много элементов и символов. В центре — монохромная фотография, которую обрамляют волны, отсылающие к традиционной гравюре. Таким приемом автор соединяет современное пленочное изображение с историческим художественным.
Над центральной фотографией повторяется образ падающей или летящей женщины в шлеме — один из ключевых мотивов в творчестве Таданори Ёкоо. Через этот образ автор иронизирует над каноничными представлениями о женственности и красоте. Женщина в «боевом» шлеме противопоставляется традиционным японским идеалам.
(1) Плакат. Ballad Dedicated To An Amputated Little Finger. Таданори Ёкоо. 1967 г. (2) Плакат. Stranger From The Wilderness. Таданори Ёкоо. 1967 г.
Также обратим внимания на плакат «Ballad Dedicated To An Amputated Little Finger». В центре внимания, как и в прошлый раз, элементы монохромной фотографии с изображением мужчины с мечом — возможная отсылка на японские самурайские мотивы.
На заднем плане присутствуют стилизованные волны, также напоминающие гравюры укиё-э, а также синее солнце.
В верхней части плаката бросается в глаза изображение синей руки с отсутствующим мизинцем — символ физической или психологической потери.
Таким образом, оба расмотренных плаката «Ballad Dedicated To An Amputated Little Finger» и «Koshimake Osen 2» демонстрируют ключевые принципы радикального коллажного метода Ёкоо.
2. Цветовая стратегия: привлечения внимания через визуальный дискомфорт и раздражение.
Ёкоо отвергает гармоничные палитры. Выбирает контрастные пары без полутонов, плоские ненатуральные заливки, яркие сочетания.
Плакат. Hino Moto no Keko. Таданори Ёкоо. 1997 г.
В работе «Hino Moto no Keko» 1997 года цвет выступает не просто как оформление, а как самостоятельный смысловой элемент.
В композиции доминирует яркий красный цвет лучей восходящего солнца, работающий как сигнал внимания. Он ассоциируется с жизненной силой и энергией. Такая фоновая композиция выстраивает определенный ритм в плакате за счет резкого противопоставления огненных красных лучей и чистых белых линий.
Ключевой визуальный акцент — черные коты. В культуре Японии черный кот — это защитник от зла, проводник в потусторонний мир. Их силуэты создают паузу среди эмоционального, яркого фона с очередной отсылкой на гравюру укиё-э — пятно черной туши на бумаге.
Афиша к мероприятию. Таданори Ёкоо. 1968 г.
Афиша 1968 года также демонстрирует характерный для Таданори Ёкоо подход к цвету и композиции, но в этот раз в более лаконичной форме.
Центральным образом выступает женщина в довольно провокационной позе. Её силуэт хорошо считывается, а узнаваемая прическа выступает отсылкой к классическому образу японской женщины.
Фон выполнен в виде градиента, что нетипично для контрастных работ Ёкоо. Солнце, расположенное за женщиной, работает как световой акцент.
Периметр плаката обрамляют маленькие изображения-гравюры, выполненные в одной цветовой палитре, придающей композиции целостность. Они держат фокус зрителя на главном образе.
Несмотря на меньшую многослойность по сравнению с другими работами Ёкоо, афиша все же сохраняет его узнаваемый стиль с помощью цветовых акцентов, символизма и традиций.
(1) Выставка работ Экина. Таданори Ёкоо. 1970 г. (2) Плакат для серии статей в газете Yoimuri Shinbun. Это Америка. Таданори Ёкоо. 1968 г.
(1) Плакат. Chisetsu Yumiharizuki Таданори Ёкоо. 1971 г. (2) Афиша Национального театра Бунраку. Таданори Ёкоо. 1971 г.
На рассмотренных примерах видно, как японский дизайнер сочетает контрастные приемы, продолжает превращать плакат в художественное высказывание и провокацию через символы и культуру страны.
3. Перенасыщенность пространства, создание ощущения наслоения времен и культур.
В работах дизайнера отсутствуют пустоты: все пространство заполнено образами и текстом. Элементы перекрывают друг друга, создавая эффект перегрузки и хаоса. Таданори Ёкоо играет с пропорциями и дезориентирует зрителя непривычным представлением о пространстве.
(1) Постер. Garuda. Таданори Ёкоо. 1990 г. (2) Постер. Japan Relief for Cambodia. Таданори Ёкоо. 1993 г.
В работе «Garuda» перегруженность считывается моментально: композиция кипит деталями, создавая привычное для Ёкоо ощущение хаоса за счет дробных элементов фона, смешивания природы и силуэтов.
Само название плаката — это имя мифического царя-птицы в индуистской и буддийской традициях. Анализируя детали плаката, действительно, заметны отсылки к сакральному:
(1) солнце, обрамляющее голову женской фигуры, работает как нимб. (2) сердце, пронзенное семью кинжалами — переосмысленный христианский образ сердца Иисусова. Число семь усиливает значение символа. (3) луна, обмотанная красной нитью на земле создает парадоксальный образ небесного тела, лишенного своего естественного места. Возможно, Ёкоо делает отсылку на японские мифы, в которых луна часто подвергается магическому воздействию.
След Ёкоо в истории дизайна
(1) Poetry By Mutsuo Takahashi. Таданори Ёкоо. 1966 г. (2) Плакат для концерта в Киотском фестивальном зале. Smiling mouth with moustache. Таданори Ёкоо. 1964 г.
Ёкоо стал тем человеком, который один из первых стал объединять элементы поп-культуры через прямое копирование массовых образов с традиционными японскими мотивами. Он считается одним из основоположников постмодернизма, а его подход к способу самовыражения вдохновил целое поколение молодых дизайнеров.
Идеи Таданори Ёкоо продолжают и сейчас влиять на современный дизайн и искусство: принципы, нарушающие правила и смешивающие разные стили в единое целое, используются в коммерческих проектах, цифровом дизайне и интерьере.
Японский автор не только преобразил графический дизайн, но и расширил границы понимания искусства через сочетание массового с индивидуальным.
Takeo. Таданори Ёкоо. 1997 г.
Заключение
Китчевая система Таданори Ёкоо — не случайная небрежность, а системный художественный подход, основанный на определенных принципах и техниках.
Через коллаж, цвет и композицию он разрушает модернистские каноны дизайна, создает поле для диалога со зрителем и превращает китч в инструмент культурной рефлексии и социальной критики.
Его подход демонстрирует, что эстетика плохого вкуса может стать мощным средством высказывания, если ее осознанно структурировать и обосновать.
Т. А. Фетисова. Теория и история культурной среды. Кич как феномен культуры. [Электронный ресурс] URL: https://cyberleninka.ru/article/n/kich-kak-fenomen-kultury-obzor/viewer (дата обращения: 17.11.2025)
Евгения Чернецова. Китч: Искусство или культурный мусор? — М.: Этерна, 2015 — 128 с.
А. Ф. Поляков. Культурные смыслы китча. [Электронный ресурс] URL: https://cyberleninka.ru/article/n/kulturnye-smysly-kitcha/viewer (дата обращения: 17.11.2025)
Ю. Карпова. Японской плакат 1960–2000 годов. Особенности визуальной коммуникации. [Электронный ресурс] URL: https://cyberleninka.ru/article/n/yaponskiy-plakat-1960-2000-godov-osobennosti-vizualnoy-kommunikatsii/viewer (дата обращения: 17.11.2025)
https://www.moma.org/artists/6502-tadanori-yokoo (дата обращения: 17.11.2025)
https://assets.paulrand.design/Works/_Books/Covers%20Only/1963%20The%20Condemned%20of%20Altona%2C%20A%20Play%20in%20Five%20Acts/Web/The%20Condemned%20of%20Altona.webp (дата обращения: 17.11.2025)
https://i.pinimg.com/originals/d1/95/13/d1951300126c9cb99a7e4fb60823645a.jpg (дата обращения: 15.11.2025)
https://i.pinimg.com/originals/af/8a/05/af8a05e7c9e4fd4cf30451ab4d9e2150.jpg (дата обращения: 15.11.2025)
https://iq-media.ru/system/widget_fields/field_attachments/000/562/012/large_12/11_TadanoriYokoo.jpg?1615541254 (дата обращения: 15.11.2025)
https://a.1stdibscdn.com/archivesE/upload/a_11682/1560969580687/TadanooriYokoo_BunracooPlay_1971_org.jpg (дата обращения: 15.11.2025)
