Движение и звук в творчестве Кита Харинга

Иконки Кита Харинга стали одними из самых узнаваемых образов жанра поп-арт в массовой культуре. Их используют в качестве визуального составляющего в образовательных программах и концертах, а люди всё чаще носят одежду с их изображениями. Это неудивительно, поскольку человечки и другие персонажи выглядят довольно комично и легко воспринимаются аудиторией. К тому же они безликие, а значит их образы отображают каждого из нас.

Однако помимо простого стиля и яркой палитры, у них есть ещё одна интересная особенность – они почти никогда не бывают статичными. Их динамичность и выстроенный ритм можно заметить не только по их позам, но и по дополнительным линиям, которые помогают создать эффект движения, вибрации или звука, а также по скорости их нанесения. Эти отличительные черты особенно заинтересовали меня в творчестве Харинга.

При этом важно не просто перечислить эти приёмы, а понять, как именно они работают в связке друг с другом. Харинг не использовал движение ради движения. По его задумке, за каждой линией и повторяющимся жестом стояла конкретная задача: заставить зрителя почувствовать ритм, услышать звук и пережить эмоцию.

При составлении визуальной части исследования я изучала архивы его работ и отбирала из них самые разные: от раннего творчества, когда он только-только становился узнаваемым, до социально-политических высказываний, где функция линии тоже играет немаловажную роль, но не в качестве ритма, а как призыв к действию. Более поздние работы также были важны для рассмотрения, поскольку они были созданы после выявления у Кита страшной и смертельной болезни – СПИДа. Диагноз настолько сильно повлиял на мировоззрение художника, что, впоследствии, визуальный язык его работ приобретал более мрачный характер. Но особое внимание в исследовании я бы хотела обратить на иконки. Как я говорила ранее, их образы знают многие, однако в основном их воспринимают как символы с определёнными значениями, хотя главный смысл скрывается в их «живости» и внутренней энергии, возникающей из-за тех самых приёмов.

Чтобы полностью понимать, как Харинг пришёл к такому результату, необходимо знать культурный контекст, в котором он находился и погружался с головой. Конечно, его окружало художественное искусство, ведь с самого детства он знал, что станет художником. Но своё предпочтение он также отдавал мультипликации, комиксам и хип-хопу. Впрочем, об этом сейчас и пойдёт речь.

1. Источники вдохновения
2. Как работает линия
3. Иконки
4. Анти-движение
5. Заключение

Особенностью анимаций того времени можно считать гиперболизацию, которая отражалась в движениях и пластике, в сюжетах и в дизайнах персонажей. Герои на экране казались живее и эмоциональнее, чем реальные люди. К тому же они могли донести главную мысль через действия, у них не было необходимости делать это с помощью слов.

Что касается комиксов, которые Харинг тоже очень любил, то в США они пользовались огромным спросом. Продавались они в основном синглами и стоили довольно дёшево, так что позволить их могли многие. По сути комиксы – это та же мультипликация, но в виде картинок, грубо говоря раскадровка. Но даже в таком формате композиции выглядели динамично благодаря линиям и звуковым эффектам, которые стали впервые применять именно в комиксах. Быстро проведённые острые линии указывали на стремительное действие, более дугообразные – на поворот, круговые движения, а от формы бабблов зависело то, с какой интонацией произнёс фразу персонаж либо с каким звуком совершилось действие. С острыми уголками, напоминающем взрывы – громко или с криком, похожие на облако – персонаж задумался, обычные скруглённые – персонаж говорил вслух.

Однако даже тогда комиксы не воспринимали как искусство, а считали его развлекательным медиа, которое впоследствии было заменено телевидением. Один из первых, кто стал популяризировать комиксы как полноценное искусство в элитарном обществе, был Рой Лихтенштейн, один из самых известных представителей поп-арта. Он применял вышеперечисленные приёмы в своих работах, засчёт чего они выглядели необычно на фоне остальных.

В конце 70-х Кит Харинг переехал из Питтсбурга в Нью-Йорк. Стоит уточнить, что в этот период Нью-Йорк был продвинутым городом, который поддерживал абсолютно любые креативные идеи, именно там проводились самые крутые вечеринки, а сам город был украшен стрит-артами, в том числе и под землёй. Город шумный, в нём постоянно что-то происходит, и Кит поймал этот ритм.

Впервые Харинг стал более узнаваемым после серии стрит-артов, нарисованных в метро. В отличие от привычных стрит-артов, они были нарисованы с помощью мела, а нанесение на рекламные щиты было очень быстрым. Уже в этой серии стали прослеживаться те самые линии и та самая абсурдность происходящего, которые и помогают картинке стать более динамичной.

Что могло ещё повлиять на технику изображения? В это же время в Нью-Йорке активно развивался хип-хоп, от которого вскоре появился новый вид танцев – брейк-данс. Этот танец известен благодаря необычным движениям (волна с помощью рук, силовые трюки, фризы, топрок и даунрок). Кита настолько впечатлили танцы и жанр музыки, что, взяв элементы брейк-данса, он стал применять их на своих персонажей. Они всегда находились в чудаковатых позах, будто исполняли очередной номер, а линии рядом с ними подчёркивали их движения.

Так например, дугообразные линии обозначали само выполнение действия, а зигзагообразные подчёркивали вибрацию и бит.

Здесь пойдёт речь о линии и какую функцию она выполняет в зависимости от эмоциональной окраски и контекста изображения.

В центре внимания большой красный человечек, который встал в позу моста и по которому поднимаются и спускаются уже маленькие зелёные человечки. Сама композиция уже динамичная, но благодаря прямым линиям, которые в данном случае изображают спуск и шаг и дугам, обозначающих бег и восторг, она оживает. Волнообразная рамка создаёт впечатление музыки, точки на полу – шум, а сами человечки выстроены так, что выстраивается очередной ритм.