Театр и живопись. XVIII век
Концепция
Живопись, театр, скульптура, архитектура, музыка объединены одним термином — искусство. Все виды искусства неразрывно связаны и эта связь очень четко прослеживается. Великий советский и российский искусствовед С. М. Даниэль писал следующее: «Картина —это модель театра вселенной, экспериментальная площадка, на которой проигрываются новые сюжетно — композиционные ситуации, осваивается новое соотношение между человеком и средой, новое место человека в земном, горизонтальном мире».
Театральность в живописи проявлялась с самого начала истории живописи, ведь художник при написании полотна работает как постановщик, режиссер и костюмер. Каждая картина — это мини-жизнь, мини-театр внутри.
Рассмотрим исторический контекст эпохи на примере Франции. Эта страна становится законодательницей мод, вместо Италии, которая определяла течение направлений искусства начиная с античности. Но с XVIII века пальму первенства переняла Франция. Теперь все новые стили развиваются там.
Начало XVIII века во Франции — законодательнице мод, обусловлено уходов Людовика XIV — короля Солнца. Он тесно взаимодействовал с государством, контролировал все сферы жизни людей.
Если все его правление описать одной фразой, то это его слова «Государство — это я». После его ухода из жизни остается единственный наследник — десятилетний Людовик XV. Сначала во Франции начинается период регентства — Мадемуазель де Помпадур распоряжается порядками в стране, жизнь при ней становится спокойной, мирной и размеренной. Сфера искусства развивается очень стремительно, начинаются заимствования мод с востока — так возникает стиль Шинуазри (китайщина). Ближе к середине века начинает править сам Людовик XV. Его правление можно описать одной его фразой «После нас хоть потоп» — теперь принято жить для себя, во главе жизни людей — гедонизм и торжество наслаждения. Однако и в годы правления наследника Мадам де Помпадур все также является законодательницей мод. Получается, что XVIII века в основном определено вкусом одной женщины. Помпадур любила театр, поэтому театральное искусство развивалось, поощрялось.
XVIII век — время, в которое театр проникает во все сферы жизни человека. Так балы и маскарады — театральны, приемы у аристократии — тоже театр. Всякий выход человека из дома — полноценный выход на сцену.
В своем визуальном исследовании, посвященном исследованию взаимодействий живописи и театра в контексте XVIII века, я рассмотрю то, как развиваются театральное искусство и живопись в разных странах и в контексте разных направлений в искусстве. Обращу внимание на мотивы занавеса на полотнах, переодеваний и особенностях живописи на основе работ художников Франции, Италии, Англии и России.
Часть 1. Комедия Дель Арте в живописи стран Европы
Комедия дель арте — это итальянская комедия, в которой есть три вида героев пьесы: дзанни (горожане), господа и влюбленные. Влюбленные не носили маски и по их костюмам можно было отследить модные тенденции того времени.
Дзанни и господа — были в масках и характерных костюмах. Актёры, играющие в масках, исполняли всю жизнь одну и ту же роль. Сценария в пьесах не существовало, поэтому актеры чувствовали героев и их характеры, за которого они играют и каждая пьеса отличалась от предыдущей.
а) Франция: Жан Антуан Ватто
Творчество Антуана Ватто нельзя отнести к какому-то одному направлению. Художник не укладывается в рамки единого стиля, например, его нельзя считать рокайльным художником. Ватто называют художником галантных празднеств, он изображает беспечную жизнь первого сословия. Все происходящее на полотнах театрально. Персонажи играют в любовь, в чувства, как на сцене театра, который посещало все образованное общество XVIII века. Также Ватто часто изображал актеров Французского и Итальянского театра (Комедии Дель Арте.
Первый герой из легендарной комедии Дель Арте, которого мы рассмотрим, будет Пьеро. На картине «Жиль» кисти Ватто изображен актер в костюме Пьеро. Он стоит на переднем плане, будто на сцене театра. Его эмоции выразительны. Далее на втором плане, словно за сценой находятся другие актеры, они увлечены беседой, все их эмоции выразительны и отчетливо считываются. Словно они носят маски и все игры на сцене. Стоит сказать, что пейзаж также ненатурален, выдуман, нереален и подчиняется рамкам театральности. Это придает ему характер декорации.
слева направо: Жан Антуан Ватто, «Жиль», 1717 /«Итальянские комедианты», 1720
Другие персонажи комедии дель арте — Меццетен, Арлекин и Коломбина.
Слева на картине мы видим Меццетена. Мецетен — это герой комедии дель арте. Его считают шутом и хитрецом. На картине он играет серенаду своей возлюбленной. Тема любви также имела много внимания в галантном веке. Мецетен одет в сценический костюм и сидит также в листве, которая напоминает занавес. Мы погружаемся в сюжет, можно понять как автор заложил смысл в то, что фигура девушки также отвернулась от певца. В этом сюжете возникает ироничность сцены и вызывает эмоции.
Арлекин — это герой, который попадает в комичные ситуации, вызывает смех у зрителей. Его костюм состоит из лоскутков, что подчеркивает его бедность. Арлекин находится в маске, он пугает Коломбину. Эмоции всех героев усилены, страх девушки подчеркнут жестами. Вся сцена напоминает театральное действо.
слева направо: Жан Антуан Ватто, «Меццетен», 1717–1720 / «Арлекин и Коломбина», 1716
На полотне «Итальянские комедианты» мы видим актеров на сцене. Они закончили представление и все также играют роли, не только во время пьесы, но и после нее ведь вся жизнь театральна.
Антуан Ватто, «Итальянские комедианты», 1720
б) Испания: Франциско Гойя
Ранний период творчества Франциско Гойя наполнен множеством работ на театральные мотивы, портретами современников и простых горожан. Колорит работ светлый, теплый, жизнерадостный. Такими, например, являются работы «Марионетка» и «Странствующие комедианты».
Марионетка — сама по себе театральная кукла. Фигры девушек выстроились в круг — их сомкнутые руки образуют круг — своеобразную сцену, на которой должна быть марионетка.
На полотне «Странствующие комедианты» мы видим героев комедии дель арте. Арлекин в его лоскутном костюме, Коломбина и Пьеро — главные герои полотна. На их лицах маски, они стоят на сцене и показывают представление.
Театр на этой работе изображен без прикрас, Гойя с помощью своего «дрожащего» мазка показывает характеры героев и также такой неспокойный мазок подчеркивает иллюзорность сцены и мимолетность жизни-игры.
слева направо: работы Франциско Гойя, «Марионетка», 1792 / Франциско Гойя, «Странствующие комедианты», 1793
Часть 2. Театральные мотивы на картинах XVIII века
а) Мотив подглядывания: Жан-Оноре Фрагонар
Фрагонар — художник передающий атмосферу беззаботности, легкости и мимолетности мгновения. Зачастую при рассматривании его работ, нам кажется, будто мы подсматриваем за героями, за их интимными моментами. Такой же эффект возникает при рассмотрении постановок на сцене из зрительного зала.
Первое произведение, которое мы рассмотрим — «Задвижка». На полотне разворачивается действие, происходящее в спальне. Девушка и юноша в порыве страсти закрывают задвижку на двери, чтобы никто и ничто не помешало их любви. Интерьер комнаты сам по себе напоминает декорации театра. Свет, льющийся из правого угла, словно прожектор освещает фигуры влюбленных. Красный балдахин также отсылает нас к театральным декорациям. А символы: яблоко (искушение) и упавший стул (грехопадение) — усиливают роль Фрагонара как режиссёра, ведь в то, что будет происходить в комнате пойдет по уже написанному сценарию.
Жан-Оноре Фрагонар, «Задвижка», 1777
«Выигранный поцелуй» передает атмосферу беззаботности и игры в любовь. Девочка проиграла в карты и должна отплатить поцелуем молодому человеку, в ее лице есть притворные сопротивление, подруга держит ее за руку. Однако нет истинного сопротивления, персонажи по-прежнему играют на полотне. Обстановка, в которой находятся герои также носит декоративный характер, предметы быта театрализованы. Перед нами игра в чувства.
Жан Оноре Фрагонар «Выигранный поцелуй», 1760
Еще два произведения, которые хочется рассмотреть вместе: «Девочка в постели, играющая с собачкой», «Поцелуй украдкой». Они также объединены эффектом таинственности и лиричности.
Обстановка первой картины уже придает ей театрализованный характер. Драпировки балдахина создают настроение игры и сосредотачивают внимание зрителя на фигурах девочки и собачки. Детское умиление, игра и беспечность — то, что характерно для легких театральных постановок/пьес.
«Поцелуй украдкой» — сохраняет таинственность происходящего, ведь мы «подглядываем» за главными героями, которые скрылись от общества.
Жан Оноре Фрагонар, «Девочка в постели, играющая с собачкой», 1770 / «Поцелуй украдкой», 1787
б) Мотив занавеса: Франсуа Буше
Творчество Франсуа Буше — квинтэссенция стиля рококо. Гедонизм, фривольность доходят до предела в его картинах.
Также на его полотнах часто присутствует мотив кулис — тяжёлые драпировки струятся в углах композиции. Такой прием придает не только театральность сюжету, но и подчеркивает богатство атмосферы и материальный достаток изображенных. Этот мотив можно заметить на предложенных ниже картинах.
«Геркулес и Омфала» — сцена, где показана кульминация страсти. Большую драматичность и концентрацию на моменте придают переплетенные розовые драпировки в левом краю полотна.
В портрете Мадам де Помпадур нет такой страсти, как на левом полотне. Здесь драпировки подчеркивают роскошь и богатство интерьера.
слева направо: Франсуа Буше, «Геркулес и Омфала», 1732-1734 / «Мадам де Помпадур», 1756
Часть 3. Театральность в живописи Англии
а) Поучения: Уильям Хогарт
Уильям Хогарт — первый просветитель в живописи 18 века. Он известен как автор цикла Карьера проститутки, Карьера мота. В какой его работе укладывается нарратив. И его работы в цикле можно расположить в хронологическом порядке как последовательность действий на сцене.
Произведения Хогарта
Первая работа, которую мы рассмотрим — Опера нищих. Действие на картине — иллюстрация событий одноименной пьесы Джона Гея. Сцена на картине отличается трёхчастной композицией. У каждого из героев говорящие жесты, их позы утрированы.
Уильям Хогарт, «Опера Нищих», 1728
В цикле Карьера мота прослеживается также отчетливость жестов, разделение героев на положительных и отрицательных. Морализаторская часть — главная составляющая этого цикла.
Постановка характерных поз, управление вниманием зрителя — особенности творчества Хогарта, которые четко проявлены в работах этого цикла.
слева направо: Уильям Хогарт, серия «Карьера Мота»: «В богемном окружении», 1735/ «Сцена в таверне», 1735
б) Портреты: Джошуа Рейнольдс
Джошуа Рейнольдс — мастер английского рокайльного портрета. Художник мастерски выстраивает композицию на полотнах, делая ее похожей на мизансцену.
Произведения Рейнольдса
На следующем полотне изображены двое мужчин в специфичных костюмах и держащие лук — несовременное оружие. Также стоит отметить, что поза Акланда нам напоминает Диану-охотницу с полотна «Смерть Актеона». Наблюдается игра в другие эпохи, в данном случае игра в Возрождение, которое романизировалось в ту пору в Английском обществе.
Также крона деревьев напоминают кулисы, а убитая добыча больше похожа на реквизит в театральной постановке.
Джошуа Рейнольдс, «Полковник Акланд и лорд Сидней: лучники», 1770
Часть 4. Театр и неоклассицизм в живописи. Жак Луи Давид
Неоклассицизм — стиль второй половины 18 века. Для него характерны четкость и ясность композиции, поучительное содержание. В работах проявляются большой интерес к истории, драматизм и эпичность сюжетов.
На примере творчества Жака Луи Давида рассмотрим особенности этого направления.
Произведения Давида
«Клятва Горациев» — наиболее известное произведение автора. На его примере можно отследить особенности неоклассики.
Трехчастность композиции. Арочные элементы как способ выделить смысловые акценты.
Жак Луи Давид, «Клятва Горациев», 1784
Две следующие работы — посвящены сюжетам из истории и мифологии. Так «Смерть Сенеки» иллюстрирует момент смерти римского философа и поэта Сенеки. Эмоции героев полотна доведены до предела, показаны отчаяние, горе, страх.
Луч света падает на тело женщины словно прожектор на сцене, а зеленая и красная драпировки в левом углу картины напоминают занавес.
На полотне разворачивается уже мифологический сюжет. Древнегреческие боги во французском интерьере, вдохновленном античностью.
Синяя драпировка на фоне снова отсылает нас к эстетике сцены театра. Пеплос Елены и котурны Париса отсылают нас к моде античности.
Такая отсылка — игра в античность, так популярная в то время, после раскопок Геркуланума и Помпеи.
Жак Луи Давид. «Смерть Сенеки», 1773 / «Любовь Париса и Елены», 1788
Часть 5. Живопись века Просвещения в России
Театр в России XVIII века — диковинка, которая появляется и развивается при Петре I. Постепенно открываются новые виды театра, так на Красной Площади состоялось открытие публичного театра, где были приглашены актеры-иностранцы. На сцене ставились пьесы знаменитых французских писателей, таких как Мольер, например, также в России начинались писать отечественные произведения.
а) Историческая живопись: Антон Павлович Лосенко
Лосенко — мастер исторической живописи. На полотне сюжет из Илиады. Эмоции и жесты театральны. Затрагивается тема героизма, патриотизма — поэтому мазок кисти точен, а содержание обязано толковаться единым образом.
Гектор отправляется на войну и ничуть не сомневается в совет выборе, несмотря на уговоры жены. Такой патриотизм, самоотверженность и готовность стоять за Родину до последнего, отсылают нас к работе Давида «Клятва Горациев».
Антон Павлович Лосенко, «Прощание Гектора с Андромахой», 1773
б) Затейливость: Иван Яковлевич Вишняков
На портрете Сарры Элеоноры девочке 10 лет. В елизаветинское время принято было изображать детей как взрослых: во взрослых платьях, аксессуарах, с макияжем и прической.
Так на полотне можно найти мотив игры во взрослых — отдельный мотив театральности в работах мастеров века Просвещения.
Фон служит декорацией и содержит античные мотивы — классическая колонна, драпировки. Фон имеет характер постановки.
Иван Яковлевич Вишняков, «Портрет С. -Э. Фермор», 1745-1750
в) Смолянки и театр: Дмитрий Григорьевич Левицкий
Дмитрий Левицкий — прославленный отечественный живописец XVIII века. Его портреты часто передают игривость, легкость и незатейливость.
Портреты смолянок (воспитанниц Смольного института) отличаются атмосферой прекрасной молодости и тоже имеют театральный характер.
На первом полотне мы видим двух воспитанниц. Они изображены в театральных костюмах в момент игры произведения «Любовный каприз, или Нинетта при дворе». Хрущова исполняла роль Кола, поэтому девушка одета в юношеский костюм.
Здесь мы видим театральные постановки и мотивы переодеваний, смены роли.
Так на портрете Е. Нелидовой девушка изображена в кокетливом развороте в танцевальном костюме, наверняка после игры в театре Воспитательного общества благородных девиц.
слева направо: Дмитрий Левицкий «Портрет Е. Н. Хрущевой и Е. Н. Хованский», 1773/ «Портрет Е. И. Нелидовой», 1773
Часть 6. Влияние живописи и театра XVIII века на дальнейшее развитие искусства
Театр и эстетика XVIII века повлияли на художественное объединение «Мир искусства». Мирискусники обращались к темам маскарадов, комедии дель арте. Также художники вдохновляются эпохой Петра I, ностальгируют по беззаботности галантной эпохи.
слева направо: Константин Сомов «Арлекин и дама», 1921 / «Осмеянный поцелуй», 1908
Если обратиться к искусству 20 век и творчеству мэтра современного искусства — Пабло Пикассо. То и в его творчестве можно заметить отсылки к героям комедии масок, к этой легкости и непринужденности театра, где все роли распределены.
Так картина «Арлекин и его подружка» относится к голубому периоду творчества автора. Пикассо продолжает традиции изображения Арлекина — он одет в лоскутный костюм. Однако находится в более современной обстановке — в баре. Такая игра с устоявшимися образами их трактовка в новой обстановке/окружении характерна для творчества модернистов.
«Пьеро и арлекин» относится к более зрелому этапу формирования стиля художника. Однако, несмотря на упрощенный язык живописи и отход от фигуративности искусства, мы по-прежнему узнаем Пьеро (в его белом костюме и шляпе, он наделен сложным характером, что также обыграно в работе) и Арлекина (его простой характер и лоскутный костюм отчетливо отсылают нас к его образу).
слева направо: Пабло Пикассо «Арлекин и его подружка», 1901 / «Пьеро и арлекин», 1920
Заключение
Таким образом, театр и живопись 18 века неразрывно связаны. Театральность характерна для всех видов искусства века Просвещения.
Театр и живопись неразрывно связаны. Искусство меняется век от века, как и мировоззрение людей, их ценности и взгляды на жизнь.
«Вся жизнь — театр, а люди все — актёры», — слова великого Уильяма Шекспира. Они подчеркивают всеохватность театра и его причастность к жизни людей.
Библиографические ссылки
Источники изображений