Анализ статьи Л. Меньшикова «Стратегии разрушения границ в антиискусстве».
Меньшиков Л., Стратегии разрушения границ в антиискусстве // Международный журнал исследований культуры. 2015. № 3(20).
Данное визуальное исследование посвящено анализу статьи «Стратегии разрушения границ в антиискусстве» (2015) Леонида Меньшикова (кандидата философских наук и заведующего кафедрой общественных и гуманитарных наук Санкт-Петербургской государственной консерватории имени Н. А. Римского-Корсакова), в которой автор размышляет о характерных явлениях художественной культуры второй половины XX века. Он отмечает, что классические представления об искусстве утрачивают свое значение, на смену им приходят такие освободительные концепции как «тотальное искусство», «антиискусство», «нон-финито», «открытая форма» и другие. По мнению Меньшикова: «Суть их сводится к одному — к максимально возможному расширению границ искусства, всестороннему включению внехудожественных явлений в сферу искусства». В результате стремление максимально расширить границы искусства и вывести его за рамки исторически «традиционных» ограничений и классической эстетики приводит к тому, что теперь искусством может быть всё, что является результатом человеческой деятельности. Появляется «не-предметное» искусство, которое отказывается от традиционного материального объекта и подчеркивают слияние искусства с другими сферами жизни, включая быт, политику и науку.
Искусство становится процессом, динамичной средой, не имеющей начала и конца, где важным аспектом является акт взаимодействия, диалог между творцом и зрителем. В этом процессе смешиваются различные жанры, стили, стираются различия между изобразительным искусством, театром, музыкой, литературой и другими формами культурного выражения. Возникают новые формы искусства, такие как инсталляции, перформансы и концептуальное искусство, где каждый участник вносит свой вклад, а конечный результат становится коллективным произведением. Таким образом, феномен художественной культуры второй половины XX века демонстрирует раскрепощение творческой мысли, переход от восприятия искусства как сферы эстетического наслаждения, к инструменту для осмысления и комментирования окружающей жизни и общества.
1. Антиискусство стремится к установлению тождества искусства и жизни через разрушение эстетических ограничений.
Во второй половине XX века усилилась борьба против художественного и эстетического в искусстве. Постмодернизм призывает к тому, что «всё годится» (anything goes) в качестве предмета и средств искусства». При этом был сформулирован ряд эстетических концепций, на основе которых базировалась эта борьба: «открытого искусства», «нон-финито», «тотального искусства» и множества других. По словам Меньшикова, «посткультура решает вопрос об эстетическом ограничении радикально». Действительность может отображаться любыми средствами, а любая форма деятельности, пусть даже и не имеющая конца, может называться художественным актом. Поэтому, по мнению Меньшикова, «достаточно просто разрушить границы художественного и нехудожественного, искусства и жизни…». В этой плоскости искусство бесконечно расширяется, словно Вселенная, при этом вплетая в ткань своего нарратива и нехудожественные явления. То же самое происходит и с творцом, который вынужден полностью выходить за пределы классической эстетики, к которой его обязывают эпоха, стиль, мировоззрение и т. д. Спорным вопросом является только мотивация автора к этому: она все же внутренняя или внешняя? Оставляя этот вопрос риторическим, ему достаточно теперь осуществить акт «человеческой деятельности, имеющей предмет и направленность». Таким образом, искусство теперь не имеет границ, но для того, чтобы это воспринималось более органично, необходимо использовать определенные стратегии, которые могут касаться статуса предмета искусства, его творца и зрителя.
Сад Гуччи (Gucci Garden). 2018
Тождество искусства и жизни хорошо просматривается в проекте «Сад Гуччи» (Gucci Garden). Как заметил Меньшиков в своей работе, «антиискусство — форма креативности, ведущая к установлению тождества искусства и жизни». Этому способствует расширение границ между сферами искусства за счет, например, внедрения нехудожественных явлений.
Данный проект — это уникальный интерактивный тур, гипнотическое путешествие между воображением и реальностью, где зрители наслаждаются необыкновенным и захватывающим опытом, прослеживая историю Gucci через предметы, видео и воспоминания о доме. Проект был открыт в 2018 году в Палаццо делла Мерканция, месте, которое напоминает о давних традициях флорентийского мастерства со времен эпохи Возрождения. Подобное погружение в историю модного дома помогает зрителю лучше раскрыть эстетические коды бренда — от уникальных образцов растений до самых знаковых объектов.
Инсталляция из галереи «Сад Гуччи» (Gucci garden), 2018
Инсталляция из галереи «Сад Гуччи» (Gucci garden), 2018
Инсталляция из галереи «Сад Гуччи» (Gucci garden), 2018
Скульптуры Класа Ольденбурга.
Клас Ольденбург — американский художник из Швеции, прославившийся своими провокационными скульптурами, изображающими бытовые непримечательные предметы в несоизмеримом масштабе. Своими работами Ольденбург стирает границы между жизнью и искусством тем, что показывает ироничное отношение к действительности, заигрывая с воображением зрителя. «Воланы» (1994, США) — одна из наиболее популярных работ Ольденбурга, представляет собой 4 пятиметровых воланчика, разбросанных на газоне вокруг Художественного музея Нельсона-Аткинсона в Канзас-Сити.
Клас Ольденбург, Воланы, 1994
«Нитка с иголкой» (2000, Милан). Перед железнодорожным вокзалом на площади Кадорна в землю наполовину воткнута иголка с торчащей из нее яркой красно-желто-зеленой ниткой, сооруженная Ольденбургом к Миллениуму в 2000-м году. На противоположной стороне площади имеется другой конец нитки, с узелком.
Клас Ольденбург, Нитка с иголкой, 2000
Или например, гигантские спички из металла (1992, Испания), которые производил его предок, предприниматель Хампус Юлиус Ольденбург. Скульптор изготовил их к открытию Олимпийских Игр в Барселоне.
Клас Ольденбург, Спички, 1992
2. Границы искусства разрушаются через заимствование и «гул культуры».
Жизнь и культура могут проникать в художественный объект по градиенту концентрации, наполняя его большими смыслами, чем обладала бы «вещь сама в себе». Совершенно естественным образом в посткультуре образовалась тенденция к заимствованию существующих объектов. По мнению Меньшикова, это связано с тем, что «весь набор выразительных средств уже осуществлён в истории искусства» и «художественные практики могут с лёгкостью использовать все известные системы изображения действительности». Стирание грани между предметом искусства и реальными предметами действительности на самом деле создают у реципиента своеобразную иллюзию соединения сна и яви, важного и неважного, элитарного и плебейского. В качестве «ластика» здесь могут выступать явления, вроде реди-мейдов, которые основываются на заимствовании объектов фабричного производства, включение реальных предметов или их фрагментов в живопись, техники «украденного объекта», коллажа и даже монтажа (по сути являющегося чисто кинематографическим изобретением), включающего любые куски реальности в ареал произведения.
Все это синхронизируется с «культурным гулом», который не может быть не услышан или проигнорирован творцом, да и зрителем тоже. Масштабный охват всевидения всего уже созданного и создающегося в «каморке» любого художника за счет глобального масштабного информационного пространства и социальных сетей не позволяет обойти это стороной и отстраниться так, чтобы создать что-то абсолютно самобытное и непохожее на частичную, но реплику, как в концептуальном, так и в техническом плане. И даже стремление «уничтожить физическую определённость произведения» через отсутствие звука в музыкальном произведении или белизну холста в живописи (как на картине «Пустота» Ива Кляйна) становится актом творения, которые стирает границы, но уже не индивидуального «я» художника, а между природным и культурным в творчестве.
Гюхан Ли и его художественные объекты.
Корейский дизайнер Гюхан Ли (1996, Корея) специализируется на изготовлении художественных объектов из предметов повседневного обихода. В качестве подручных материалов выступают тонкие стальные трубки, традиционная корейская бумага, отходы производства, коробки из под обуви, воздушные шары, магниты и т. д. Лампы, созданные из бумажных пакетов McDonald’s», были отмечены премией Red Dot Design Award в 2015 году. На примере Ли можно наблюдать, как обыденные предметы меняют свое первоначальное предназначение и становятся частью концептуального художественного высказывания.
Гюхан Ли, Лампа в виде бумажного пакета McDonald’s (Tokyo Edition 12-2), 2023
Гюхан Ли, Лампа в виде бумажного пакета McDonald’s 4-2, (Cherry Blossom Edition, 4-2), 2023
Гюхан Ли, On my seat, 2020
Размытие границ искусства в творчестве Ли заключается в том, что каждый может интерпретировать его работы по-разному — их можно рассматривать как мебель или скульптуру с элементами популярной культуры. В своих работах художник не критикует потребительство и не выступает за защиту окружающей среды. Идеи работ полностью основаны на его личном хобби, а использование легкодоступных материалов подтверждает влияние «гула культуры», о котором пишет Меньшиков.
Интерактивное искусство Нам Джун Пайка.
Интерактивное искусство — форма современного искусства, которое вовлекает зрителя таким образом, чтобы он не был лишь пассивным наблюдателем, а стал частью создаваемого объекта или принял участие в его создании. По сути, зритель разделяет роль создателя и получает возможность доработать концепцию, добавить средства художественной выразительности или же придать им дополнительное звучание.
Одним из художников и пионеров видеоарта, провозгласившим, что нет границ между видами и жанрами искусств и что автор не должен быть ограничен в поиске новых форм творческого выражения, был американо-корейский художник Нам Джун Пайк. Его инсталляция Electronic Superhighway (1995) выставлена в Смитсоновском музее американского искусства и представляет собой гигантскую карту США, выложенную из работающих вразнобой телевизоров. Ее считают символом одержимости американской культуры телевидением, а также той власти, которую имело телевидение до изобретения персональных компьютеров.
Нам Джун Пайк, Электронная супермагистраль, 1995
Другая его инсталляция, Телевизионный сад» (TV Garden), представляет собой 120 телевизионных мониторов, которые выглядят как экзотические цветы в пышном саду из 600 растений. В результате такой нехудожественный объект, как телевизор, вступает в поэтический союз с природой и становится частью художественного высказывания, вовлекая зрителя в непосредственное участие.
Нам Джун Пайк, Телевизионный сад, (1977/2002)
Нам Джун Пайк, Телевизионный сад, (1977/2002)
Нам Джун Пайк
3. Следствием разрушения границ в антиискусстве является появление «не-предмета» в качестве предмета искусства.
Впервые термин «не-предмет» использовал П.Шеффер в достаточно узком эстетическом концептуальном значении. Однако, в связи с тем, что каждый художник с течением времени так или иначе стремился (пусть и не всегда удачно) очистить свое творение от шелухи идеологии, политического контекста или экономического влияния, происходила, по сути, кибернетизация или «растворение» искусства в реципиенте. Вместо предмета искусства появлялся «не-предмет», как определенный акт воли или действия со стороны художника, который трансформируется в связь, то есть отношение замысла художника к его интерпретации зрителями. Воспринимающий художественное произведение человек становится актором действия, отвечая на сигналы, которые через звук, текст или цвет передает творец. Делает он это правда только исходя из своего жизненного и художественного опыта, что всегда может привести к реакции «не верю"/"не понял». Именно по этой причине невозможно порой понять суть предмета искусства превращенного в «не-предмет», как лежащего в основе авторского замысла или все же множественных интепретативных практик критиков и внушаемых толп потребителей.
Непредметное искусство Сергея Курёхина.
Сергей Курёхин (1954, Мурманск) — известный своими экспериментами в области музыки, особенно в стиле непредметного искусства, не был связан исключительно с живописью или скульптурой в традиционном понимании. Его творчество охватывало различные грани искусства, включая музыкальные эксперименты, театр, перформанс, поэзию и философию. Возможно, уместной будет цитата Курёхина: «Лётчик от музыканта практически ничем не отличается, просто все зависит от количества градаций». Свое отношение к искусству Курехин выражал в смешивании жанров, радикальном и провокативном пересмотре традиционных форм искусства и формировании нового художественного высказывания, которое основывается скорее на процессе, чем на результате. 1 сентября 1995 года «Поп-механика» (музыкальный коллектив, основанный им в 1984 году), дала имевший громкий успех шокирующий концерт в Хельсинки, кульминация которого включала одновременно опускавшийся на зрительный зал огромный полиэтиленовый мешок, пущенный в зал дым и запуск в толпу выбегающих зрителей мечущихся в панике животных.
Поп-механика, Концерт в Хельсинки, 1995
Поп-механика, Концерт в Хельсинки, 1995
Концерт Поп-механики в Ленинграде, 1986
Иммерсивный театр Punchdrunk.
Punchdrunk — это британский театральный коллектив, основанный Феликсом Барреттом в 2000 году и известный своими иммерсивными спектаклями и перформансами, где зрители активно участвуют в действии, исследуя сложные живые миры, созданные на основе конкретных пространств. Театр считается одним из основоположников формата promenade-thеаtre, в котором зрители сами выбирают для себя маршрут. Например, постановка «Sleep no more», основанная на шекспировской трагедии «Макбет», в которой отсутствует диалог и зритель имеет возможность самостоятельно исследовать пространство отеля, вступая в контакт с актерами и переживая историю по собственному сценарию.
Sleep No More, PunchdrunkPhotos, Photos by Yaniv Schulman and Robin Roemer Punchdrunk, 2013
Sleep No More, PunchdrunkPhotos, Photos by Yaniv Schulman and Robin Roemer Punchdrunk, 2013
Sleep No More, PunchdrunkPhotos, Photos by Yaniv Schulman and Robin Roemer Punchdrunk, 2013
Или же «Сожженный город» — футуристический спектакль, основанный на античной мифологии и легенде о падении Трои. При этом вместо классического здания театра местом действия станут несколько старых зданий, построенных в эпоху Первой мировой войны. Подобные шоу преднамеренно включают зрителя в процесс производства искусства, создавая тем самым предмет искусство без границ.
PunchdrunkPhotos, «The Burnt City»
PunchdrunkPhotos, «The Burnt City», Фото павильона
PunchdrunkPhotos, «The Burnt City»
4. Стремление к разрушению границ между традиционными видами искусства формирует «тотальное искусство».
Одной из проблем традиционного/классического искусства является его ограниченность в отображении реальной действительности во всем ее многообразии. В качестве примера Меньшиков приводит определение «Gesamtkunstwerk», введенное Рихардом Вагнером в 1849 году и которое можно описать как универсальное произведение искусства, в котором различные формы искусства объединяются для создания единого целого. Само определение Gesamtkunstwerk можно разделить на составные части: gesamt — целый, die Kunst — искусство и das Werk — дело. Опираясь на эстетические поиски Вагнера, «тотальное искусство» призвано «извлечь художественное творчество из исторически определенных ему границ путем соединения искусства и жизни. Оставляя вопрос о том, почему искусство в принципе должно это делать, мы можем согласиться с тем, что все же при всей совокупности наших способностей в восприятии (зрительных, слуховых, осязательных и т. д.) человек способен всесторонне оценить реальность только при ее отражении в самих реальных предметах. Этот сложный вопрос десинхронии многообразия человеческого восприятия и ограниченности стимуляции традиционными видами искусства решился в концепции антиискусства очень просто. Жизнь стала искусством. При всей сложности такого концепта, за счет современных технических и аудио-визуальных средств это удалось воплотить в реальность с созданием комбинированного воздействия на практически все органы чувств человека. Этот же подход был реализован в преставлении любого объекта в качестве объекта искусства, самое главное, чтобы он был обозначен таковым образом в данном контексте и в определенных обстоятельствах
Tate Sensorium. Соединение визуального искусства и обоняния.
В 2015 году Британская галерея Tate открыла экспозицию Tate Sensorium, на которой были представлены четыре британские картины двадцатого века из фонда галереи. Суть заключалась в возможности по-новому интерпретировать произведение искусства через призму запахов, вкусов и звуков. Например, просмотр работы Ричарда Гамильтона «Интерьер II», на которой художник изобразил женщину в гостиной своего дома, сопровождался ароматом винтажного лака для волос, в то время как динамики транслировали звуки каблуков по деревянному полу и треск домашнего очага. При этом посетителям выдали браслет, который считывал «эмоциональные реакции» на различные переживания. Подобные эксперименты дают возможность отойти от традиционного понимания искусства как базирующегося на визуальных образах, и получить всесторонний взгляд на произведение за счет разрушения границ искусства и жизни.
Tate Sensorium, 2015
Tate Sensorium, 2015
Tate Sensorium, 2015
Иммерсивная инсталляция OSNI ‘Nuage Parfumé’ от Cartier.
В 2017 году Cartier создали иммерсивную инсталляцию OSNI ‘Nuage Parfumé’, призванную изменить способ восприятия ароматов. Над проектом работала главный парфюмер дома Матильда Лоран. Посетителям предлагалось войти закрытое пространство стеклянного куба и подняться по винтовой лестнице, ведущей в плывущее облако. Нужно отметить, что аромат был ограничен лишь верхним слоем. Поэтому, как только посетители достигали вершины, опыт уже не был связан со зрением, а с обонянием духов, созданных Cartier.
OSNI ‘Nuage Parfumé’, Cartier, 2017
OSNI ‘Nuage Parfumé’, Cartier, 2017
OSNI ‘Nuage Parfumé’, Cartier, 2017
5. Отсутствие границ определяет открытость современного искусства.
Современное искусство является тотально открытым. Для него не существует границ, отделяющих его от реальной жизни. В связи с этим оно поглощает и заимствует, являясь множественным преломлением реальности в «зеркальной комнате» искусства, при этом такое отражение по сути не требует завершенности. Незавершенность позволяет не фиксироваться на необходимости закончить, завершить произведение. Это не нужно по той причине, что зритель/наблюдатель сам его завершит в процессе восприятия за счет ассоциативного ряда, аллюзий и своего опыта познания. Фактически, сам человек становится частью произведения, но индивидуальная изменчивость каждого из нас при этом аннулирует необходимость ставить точку и все объяснять. Чтобы быть открытым, произведение должно иметь незаконченную форму. Тогда оно нарушает временные и пространственные нормы, становясь не равным самому себе «здесь и сейчас» и интегрируя в себя другие произведения. Отказ от границ через отказ от начала и конца позволяет взглянуть на творческий процесс как явление, которое никогда не начинается, но вечно продолжается с небольшими перерывами. Произведение — это явление, находящееся в постоянном становлении и свидетельствующее о невозможности конца. К тому же сам зритель вовлекается в эту открытую, незавершенную форму гораздо активнее, либо за счет домысливания формально окончательного финала, либо за счет представления многовариантности развития произведения, либо за счет закольцованности повторяющихся смыслов на разных уровнях.
«Щенок» Джеффа Кунса.
«Щенок» (скульптура вест-хайленд-уайт-терьера) была создана Кунсом в 1992 году для выставки в Германии. Скульптура представляет собой 13-метровый объект, созданный художником из нескольких тысяч разных живых цветов, которые постоянно обновляются благодаря установленному внутри скульптуры специальному каркасу и системе орошения. «Щенок» был приобретён в 1997 году Фондом Соломона Гуггенхайма и на данный момент находится на террасе музея в Бильбао (Испания). Во время эпидемии covid в 2020 году цветочную скульптуру снабдили маской из синих и белых цветов. Когда один из жителей Бильбао предложил Джеффу Кунсу надеть на его скульптуру маску, художник охотно согласился. Несмотря на кажущуюся целостность и законченность работы Кунса, «Щенок» представляет собой хрупкую, постоянно меняющуюся структуру, состоящую из реальных предметов (растений), а возможность зрителя принять непосредственное участие в преобразовании объекта искусства делает его открытым.
Щенок, Джефф Кунс, 1992
Щенок, Джефф Кунс, 2020
Фильм «Квадрат» Рубина Эстлунда.
В одной из сцен фильма действие разворачивается в музее современного искусства. Зритель наблюдает инсталляцию ’You have nothing! , состоящую из кучек гравия, которую обычным посетителям не разрешают даже фотографировать. При этом уборщик, далекий от мира современного искусства, случайно принимает инсталляцию за мусор и сметает ее, вызывая настоящую панику у руководства музея накануне открытия выставки. Позднее данный казус нивелируется, кучку гравия находят и водворяют на законное место. Современное искусство пластично, оно находится в постоянном диалоге со зрителем, невольно вовлекая его во взаимодействие (иногда прямое), независимо от изначального замысла художника.
Кадр из фильма Квадрат, реж. Рубин Эстлунд, 2017
Или, например, в другой сцене перформансист Олег, который во время представления настолько входит в роль животного, что буквально перевоплощается в самца гориллы к ужасу участников светского раута в музее. Отношение зрителей к перформансу меняется в зависимости от поведения главного героя, которое начинает выходить за рамки принятых социальных норм и граничит с фарсом. В какой-то момент становится невозможным отличить, что является перформативным актом, а что своеволием творца, что размывает границу жизни и искусства.
Кадр из фильма Квадрат, реж. Рубин Эстлунд, 2017
Также и главный арт-объект выставки, к которой готовятся в музее — «Квадрат», установленный на центральной площади города Вернаму, стал использоваться не по назначению. Вместо пространства доверия и взаимопомощи незнакомых друг другу людей в нем стали назначать встречи влюбленные, а также проходить акции протеста. Открытость искусства определяет и то, что каждый интерпретирует и «использует» его по-своему под «воздействием аллюзий и ассоциаций, которые вносятся зрителями в его структуру».
Кадр из фильма Квадрат, реж. Рубин Эстлунд, 2017
Gucci garden // careers.gucci.com. URL: https://careers.gucci.com/house/gucci-garden/ (дата обращения: 21.05.2025).
Юлия Выдолоб. Gucci Garden // theblueprint.ru. URL: https://theblueprint.ru/fashion/geotag/gucci-garden (дата обращения: 21.05.2025).
«Воланы» Класа Олденбурга // volan.ru. URL: https://www.volan.ru/about-badminton/interesnye-fakty/3832/ (дата обращения: 21.05.2025).
Корейский дизайнер сделал лампы из бумажных пакетов McDonald’s // design-mate.ru. URL: https://design-mate.ru/read/news/koreyskiy-dizayner-sdelal-lampy-iz-bumazhnyh-paketov-mcdonald-s (дата обращения: 21.05.2025).
Gyuhan Lee’s Art and Furniture Are Expressions of His Taste // hypebeast.com. URL: https://hypebeast.com/2024/7/gyuhan-lee-artist-feature-interview (дата обращения: 21.05.2025).
Артузел. Пайк Нам Джун // artuzel.com https://artuzel.com. URL: /content/%D0%BD%D0%B0%D0%BC-%D0%B4%D0%B6%D1%83%D0%BD-%D0%BF%D0%B0%D0%B9%D0%BA (дата обращения: 21.05.2025).
Nam June Paik TV // guggenheim.org. URL: https://www.guggenheim.org/artwork/9537 (дата обращения: 21.05.2025).
Abundant Art. The Burnt City — Punchdrunk Theatre Review // abundantart.net. URL: https://www.abundantart.net/review/the-burnt-city-punchdrunk-theatre-review/ (дата обращения: 21.05.2025).
oteatre.info. URL: https://oteatre.info/punchdrunk-premiere/ (дата обращения: 21.05.2025).
Alexis Soloski. ‘Sleep No More’ Awakens After a Long Hibernation // nytimes URL: https://www.nytimes.com/2022/02/09/theater/sleep-no-more-reopens.html (дата обращения: 21.05.2025).
IK Prize 2015: Tate Sensorium // tate.org. URL: https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-britain/ik-prize-2015-tate-sensorium (дата обращения: 21.05.2025).
OSNI.1 — Le Nuage Parfumé, Paris, France // transsolar.com. URL: https://transsolar.com/projects/osni-1-le-nuage-parfume (дата обращения: 21.05.2025).
На цветочного щенка Кунса надели маску // artinvestment. URL: ttps://artinvestment.ru/news/artnews/20201102_jeff_koons_flower_dog.html (дата обращения: 21.05.2025).
«Квадрат» Рубена Эстлунда: иллюзия равенства // meduza. URL: https://meduza.io/feature/2017/05/29/kvadrat-rubena-estlunda-illyuziya-ravenstva (дата обращения: 21.05.2025).
